Magic the gathering (anciennement francisé « Magic l’assemblée ») est le jeu de cartes à collectionner le plus célèbre de la planète. Le jeu a considérablement évolué depuis son lancement en 1993. Richard Garfield, étudiant en mathématique combinatoire venait alors tout juste de prendre contact avec Wizard of the Coast. Pourtant le concepteur du jeu aux 6 manas (si on compte l’incolore) avait d’abord espéré faire éditer un jeu de plateau avant de penser à un jeu de cartes.

En 1993, quand Richard Garfield prend contact avec Peter Adkison de Wizard of the Coast, le jeune homme cherche avant tout à faire éditer son jeu de plateau RoboRally qu’il a conçu 8 ans auparavant. Pourtant, pour le businessman du monde du jeu, un jeu tel que RoboRally est trop coûteux et il refuse d’abord ce projet (pour finalement l’éditer un an plus tard). Adkison demande à Richard Garfield de lui proposer un jeu de cartes à la place. Le mathématicien s’exécute et propose trois mois plus tard le prototype de ce qui deviendra un succès mondial. La suite de l’histoire, les joueurs et collectionneurs assidus la connaissent : les éditions s’enchainent pour fournir de nouveaux packs de cartes aux joueurs les plus mordus.

Et dire qu’à cet époque, le jeune Garfield distribue, telle une Cosette avec ses boîtes d’allumettes, des échantillons gratuits dans la rue. Ces cartes d’édition Alpha et Béta font maintenant parti des cartes les plus recherchées et leurs côtes dépassent souvent plusieurs centaines d’euros à condition d’être en bon état.

En tout cas, l’éditeur Wizard of the Coast a eu le nez creux, car RoboRally est loin d’avoir eu autant de succès que Magic the gathering et ce jeu de société modeste aurait peut être mis fin à la carrière de concepteur de jeu du jeune Richard.

A cette question, un mot vous vient évidemment, un mot évoquant une légende: Pong ! Créé en 1972 par Nolan Bushnell, il fut le premier jeu du catalogue Atari et connut un grand succès (8000 bornes produites au total), même si sa sortie fut évidemment modeste, le jeu n’a en effet été mis en test que dans un seul bar en Californie, mais la machine est tombée en panne en seulement 24 heures, victime de son succès, le bac à monnaie déborde, causant un court-circuit. C’est en 1974 que sort la version domestique de cette simulation de tennis/ping pong.

Mais contrairement à la croyance populaire, Pong n’est pas le premier ancêtre de Pokemon, God Of War ou COD ! Il faut en effet lui compter plusieurs prédécesseurs, dont voici une liste non exhaustive :

L’Odyssey

Six ans plus tôt, en 1966, nait l’idée d’un jeu familial utilisant la télévision, un premier prototype est créé un an plus tard proposant un jeu de hockey. En 1972 sort la version définitive du système Odyssey, je laisse les plus interessés d’entre vous trouver de plus amples informations ici (http://fr.wikipedia.org/wiki/Odyssey).

Space War

En 1962, le deuxième programme ludique de l’histoire sort tout droit de l’imaginaire des quelques étudiants du MIT qui, voulant tester la capacité d’un tout nouvel ordinateur, décident de s’amuser avec des lignes de codes. Résultat: Space War, sur l’écran rond de l’ordinateur s’affrontent deux vaisseaux dans un duel mortel.

Tennis for Two

Le grand frère, l’aîné d’une industrie qui pèse aujourd’hui plus de 50 milliards de Dollars a été imaginé et développé en… 1958, sur un oscilloscope par un ingénieur ayant collaboré au projet Manhattan et répondant au doux nom de Willy Higginbotam. Tennis For Two a été créé dans le but de divertir les visiteurs du laboratoire national de Brookhaven. Bien que les files d’attente se forment rapidement devant la machine, aucune exploitation commerciale du système n’est envisagée, mais nous avions alors affaire à une époque bien différente…

L’histoire du jeune magicien Harry continue de faire le tour du monde des salles de cinéma. Le 13 juillet 2011, arrive la dernière partie du 7ème volet de la saga qui a commencé en culottes courtes ou presque. Les anecdotes sur les films et les romans sont nombreuses, j’ai choisi de revenir sur deux d’entre elles en particulier en attendant que ce Harry Potter 8 envahissent toutes nos salles de ciné.

Le mystère de la cicatrice

La première concerne la cicatrice du jeune héros. « L’éclair » gravé dans le front du jeune homme résonne dans tous les esprits comme le symbole d’une destinée mythique. Ce n’est ni plus ni moins que la preuve formelle qu’il s’agit du seul magicien à avoir survécu à la rencontre avec le machiavélique et imberbe Voldemort.

Pourtant, comment expliquer que la cicatrice de l’acteur Daniel RadCliff soit placé au dessus de son oeil droit alors que le premier fan des romans vous affirmerait sans démordre qu’Harry devrait avoir une cicatrice centrée sur le front. En réalité, cette méprise n’est pas dûe à la maladresse d’un stagiaire accessoiriste ou à la passion pour la bouteille de la maquilleuse. La coupable n’est autre que Rowling elle-même.

Toutes les couvertures des bestsellers représente Harry avec une cicatrice centrée alors que l’auteur n’a jamais précisé la position de cette marque par des mots précis. Aussi, la millionnaire écrivain a choisi de prendre à contrepied les illustrateurs de ses livres.

Harry Potter n’aurait jamais dû sortir en film

Beaucoup de cinéphiles allergiques ce sont déjà énoncés cette phrase à la vue des cohortes de fans hystériques qui se précipitent sans discernement pour remplir les salles de cinéma de popcorn et de sonneries de téléphone pendant la séance. Pourtant, cette anecdote est très sérieuse :
Warner Bros ne voulait pas faire une série de films sur la base d’Harry Potter. Le studio de production aurait préféré transformé la licence Harry Potter en long-métrage d’animation (3D ou dessinnés) ou éventuellement réunir tous les tomes en un seul et unique film.

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Déjà que les fans doivent subir la séparation du septième tome en deux films (tournés en même temps mais séparés d’une année d’exploitation des produits dérivés bien sûr).

La raison est assez simple. Warner Bros Pictures ne souhaitait pas produire plusieurs films au fil des années pour éviter que les acteurs vieillissent et qu’il faille envisager de changer d’interprètes pour rester cohérent avec l’âge des héros dans les livres concernés. Là encore, J.K. Rowling s’adonna aux caprices de princesse dont elle a le secret pour forcer la main à la célèbre maison de production. Pour l’écrivain ancienne chômeuse il était impensable d’envisager de tout regrouper dans un film alors qu’il suffisait de réaliser tous les opus de la série à la suite pour des sorties annuelles. D’où le rythme effréné de sorties que nous subissons depuis 2001.

Reine des Amazones, première super-héroïne, et certainement la plus connue, Wonder Woman a été inventé en 1941 par Charles Moulton. Ce dernier, surpris de l’absence de femme dans le panthéon DC, a doté son personnage de divers pouvoirs et d’accessoires hérités des dieux comme son lasso magique. Une arme originale et surprenante me direz-vous. Seulement elle n’a pas ét

Le scénariste/professeur/psychologue/conseiller pédagogique pour la société Detective Comics, Inc. (DC), considérait les femmes comme étant plus fiables que les hommes, il était un fervent féministe ( ce qui était plutôt rare à l’époque !). Voici une citation du grand homme : « Même les filles ne voudront pas être des filles tant que nos archétypes féminins manqueront de force, de vigueur et de puissance. Le remède logique est de créer un personnage féminin avec toute la force de Superman plus l’allure d’une femme bonne et belle. »

Au passage, voici la tenue de la nouvelle série Wonder Woman, à laquelle, comme vous pouvez le constater, il manque un cruel détail: le short étoilé !

Bleach fait partie du fer de lance de la troisième génération de manga aux côtés de One Piece ou Naruto. Shonen parmi les shonen, il a sû tirer son épingle du jeu en mettant sur papier puis à l’écran des combats dynamiques, des personnages variés et attachants dans un univers mélangeant tradition spirituelle et vie contemporaine. GG.com revient pour vous sur l’origine de ce titre au premier abord énigmatique.

Je m’intéresse à Bleach et surveille cette série du coin de l’oeil depuis sa sortie en mai 2003. A l’époque je m’étais déjà demandé d’où pouvait provenir le nom Bleach. Quand on prend des mangas comme Naruto ou Dragon Ball, la réponse tombe sous le sens, là il faut un tout petit peu plus d’imagination. J’avais fini par en conclure, à tort, que le titre était uniquement là pour évoqué le côté « décoloré naturel » d’Ichigo notre héros aux sourcils froncés (en traduisant grossièrement Bleach = « Blanchi / Décoloré »). Ai-je un jour affirmé avoir un anglais irréprochable ?

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En réalité, la genèse de ce titre est un poil plus complexe, jugez plutôt :

Avant de compter 42 tomes à son actif (un chiffre qui sera amené à évolué dès le mois prochain), Tite Kubo le chef d’orchestre de ce récit a commencé par publier un one-shot dans le Akamaru Jump. Pour préparer son travail, il imagine déjà une histoire plaçant les Shinigami au coeur de l’action. Initialement, Rukia aurait dû manier une faux (image qu’on retrouve d’ailleurs plus tard dans les OAVs avec Dark Rukia) et les autres personnages se battaient avec des armes à feu. Ce brouillon avait pour nom « Snipe » en référence aux flingues manipulés à tour de bras par nos héros. Peu de temps après, Tite Kubo privilégia l’utilisation d’épée rendant caduc ce premier titre.

Comme le récit concernait les Shinigami, Tite Kubo envisagea d’appeler son manga « Black » en référence à la couleur que revêtent ces guides spirituelles. Voulant prendre à contrepied la facilité, il finit par appeler son manga « Bleach », évoquant le blanc, par opposition au « Black » envisagé pendant un temps. Fin de l’histoire.

Je rajouterais une deuxième anecdote puisqu’elle concerne directement la genèse du manga. Il se trouve que Toriyama a joué un rôle déterminant pour que la série puisse débuter dans le Weekly Shonen Jump. En effet, ce magazine de pré-publication qui a bâti des succès interplanétaires comme One Piece ou Slam Dunk  a commencé par renvoyer sur les roses Kubo suite à la présentation de son projet. Toriyama, passant par là, aura eu l’occasion de lire les premiers travaux du dessinateur d’Ichigo. Kubo reçu alors les encouragements de Toriyama et le Jump finit comme par hasard par revenir sur sa décision.

Au passage je vous livre quelques infos sur le one-shot pilote qui trace les premières grandes lignes du manga à succès que nous connaîtrons par la suite. Ces pages sont difficiles à trouver, rarement traduites, et parfois mélangés avec d’autres productions contrefaites qui n’ont pas été signées de la main de Kubo. Soyez vigilants si vous comptez acquérir cette perle rare. On découvre quelques différences notables à travers ces 45 pages :

• Rukia devient minuscule quand elle confie ses pouvoir à Ichigo,
• Le sabre de notre protagoniste est de taille normale et ne fais plus concurrence à l’épée broyante de Cloud (FF7) comme à son habitude,
• Les hollows n’ont pas de masques et apparaissent avec un visage « humain » découvert plus expressif.
• La couverture laisse apparaître Ichigo avec des cheveux bruns mais je pense qu’il s’agit surtout d’un problème de couleur qui est mal passée au moment du scan N&B puisque par la suite le personnage principal aux cheveux orange expose la tignasse qu’on lui connaît.

Finalement, pensez-vous que Ichigo aurait eu la même classe avec un magnum 44 à la place de sa gigantesque épée ? D’ailleurs, Bleach fait-il parti des incontournables de votre collection de manga ?

Afin de résoudre cette cruciale interrogation, il convient de la traiter point par point. Voici donc les différents rounds qui verront s’opposer Han et Indi: les accessoires, le succès auprès des femmes, celui auprès de ses ennemis, ses forces et atouts et enfin les répliques cultes et grands moments de cinéma qu’il a incarné.

- Les accessoires -Round 1… Fight !

Lorsque l’on pense aux armes d’Indiana Jones, c’est le fouet qui nous vient en premier à l’esprit, tantôt arme, tantôt outil, le talent et la classe de l’aventurier pour le manier sont devenus sa marque. Il faut aussi ajouter son fameux chapeau qui ne le quitte jamais et pour lequel il est prêt à prendre quelques risques (comme en témoigne l’hommage donné dans la vidéo bonus que votre serviteur vous offre à la fin de cet article).

Quant à Han Solo, si l’on ne doit en citer qu’un seul, ce sera le Faucon Millenium. Presque un personnage à part entière dans la trilogie, il est traité par son propriétaire comme un ami, presque comme une amante. Relation que semblait aussi nourrir Lando Calrissian avant que notre héros le lui ravisse lors d’un pari. Vaisseau au charme presque suranné, il est capricieux et sa vieillesse nous réserve quelques beaux moments de suspens. Mais il est mené de main de maître par Han, qui le connait jusqu’au bout des circuits imprimés et sait en tirer le meilleur.

Difficile de départager nos deux héros sur ce point, c’est donc un Double K.O. !

- Les succès auprès des femmes –Round 2… Fight !

A ce sujet, un premier constat s’impose: Harisson Ford avait vraiment une belle gueule. Bien que peu d’années séparent le premier Star Wars (1977) du premier Indiana Jones (1981), l’acteur semble plus âgé dans ce dernier, il y incarne un homme plus mûr, sûr de son charme, Han de son côté, a pour lui la fouge et l’arrogance de la jeunesse. Han Solo ne séduit qu’une seule femme et en tombe amoureux, la Princesse Leia, mais il faut dire que les conditions ne sont pas réunies pour le flirt et le speed dating lorsque l’on est poursuivi par Jabba le Hutt et tout l’Empire. Indi, lui a fait succomber Willie et Marion Ravenwood et son charme ne semble pas laisser Elsa Schneider et Irina Spalko totalement indifférentes. Mais un seul détail fera, à mon sens, directement pencher la balance du côté Indiana Jones: la Princesse Leia, avant de succomber aux charmes du contrebandier, a failli se laisser séduire par… son frère. On me rétorquera qu’elle ne connaissait pas ses liens familiaux avec ce dernier, peu importe, pour moi c’est le détail qui fait sortir Indi gagnant de cette manche (et puis il y a Elsa Schneider, la réelle raison non avouée du résultat).

Indiana Jones WINS !

- Les ennemis de nos héros –Round 3… Fight !

Affronter des Nazis, des Soviétiques

fanatiques, une secte, c’est classe, c’est certain. Mais affronter l’Empire Galactique, un Seigneur Sith et Dark Vador, c’est quand même un cran au dessus.

Là, il n’y a pas photo: Han Solo WINS !

- Les forces et faiblesses du contrebandier et de l’archéologue –Round 4… Fight !

Leurs principales qualités sont en fait inhérentes à leur activités: Han est roublard, débrouillard et astucieux. Junior est intelligent, cultivé et c’est son savoir qui lui permet surtout de se sortir de ses mauvais pas. Les deux ont pour eux une solide expérience de l’aventure et des situations périlleuses et désespérées. Et ces deux là doivent être nés avec un trèfle à quatre feuilles et un fer à cheval dans chaque mains tant ils sont sont chanceux. Il est intéressant de noter dans cette partie que si nous avons droit à des informations sur le passé du Docteur Jones via quelques échanges avec son père ou la jouissive séquence sur l’enfance de l’aventurier, la Trilogie de la Guerre des Étoiles est en revanche bien plus avare en informations.

A mon sens, Han Solo n’a de point faible à proprement parler, contrairement à Indi, terrorisé par les serpents, un comble lorsqu’on est sensé traverser nombres de contrées sauvages, il n’a pas de peur particulière, ou alors celles, on ne peut plus justifiées, d’être tué par Jabba ou capturé par l’Empire. Mais il a un trait de caractère qui en fait un anti-héros au sens large et qui peut donc constituer une tâche dans la notation de cette partie, même si elle apporte de la profondeur au personnage: Han Solo a une moralité des plus douteuse, il est profondément égoïste et place son intérêt personnel au dessus de tout. Du moins au début de l’aventure, car sa rencontre avec Luke et son amour pour Leia finissent par lui faire prendre fait et cause pour la Résistance lors d’un retour tonitruant et le font devenir un redoutable Général.

Moralement, l’archéologue est irréprochable, il risque sa vie, sûrement en partie, par amour du risque, mais aussi et surtout dans le but profondément humaniste de sauvegarder la mémoire de notre espèce et empêcher de puissants artefacts de tomber entre de mauvaises mains.

Encore une fois je ne vois pas les deux héros se départager: Double K.O.

- Répliques cultes et grands moments de cinéma –Round 5… Fight !

Je crois que plutôt que de longs discours, des extraits vidéos suffiront ici.

Commençons d’abord par notre contrebandier intergalactique favori.

- Han Solo et Greedo

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- Selon moi la meilleure déclaration d’amour jamais filmée:

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- « Oh yeah ? Watch this ! »:

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Passons maintenant à l’archéologue de ses dames.

- Et nous commençons fort, par ce qui est un des meilleurs moments de la trilogie. Il est amusant de noter qu’il était prévu qu’il y ait une bagarre entre l’homme au sabre et l’homme au fouet, dont la vidéo, de piètre qualité, est trouvable sur le net. Mais sous 35°, avec de la fièvre et la tourista, Harisson Ford a soufflé une idée à Spielberg et voici une séquence parmi les plus grands classiques du cinéma.

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- What’s happen in eleven o’clock ?

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- No ticket.

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En toute bonne foi, seriez vous capable de dire qui est le plus classe au regard de ce vidéos ?

Ce qui nous fait donc 3 Double K.O. et un round chacun, je ne suis pas plus avancé en réalité. Cette petite étude n’a fait que me faire aimer encore plus ces deux héros. Mais une idée m’est apparue: Han Solo ne serait-il pas le héros que l’on rêve d’être à 25 ans et Indiana Jones celui que l’on voudrait être à 35 ?

Et enfin un petit bonus, une vidéo extraite de la série Malcolm, que vous devriez découvrir si vous ne la connaissez pas encore:

Cliquer ici pour voir la vidéo.

D’après vous, qui a le plus de charisme, Docteur Jones ou le Général Solo ?

Nom de Zeus ! Vous ne vous êtes jamais demandé pourquoi Zemeckis a choisi « Retour vers le Futur » comme titre pour sa saga culte ou encore pourquoi avoir choisi une voiture comme moyen de transport temporel plutôt qu’un vélo beaucoup plus écologique ? GG.com revient pour vous sur quelques anecdotes croustillantes.

Bataille autour du titre de la saga

« Retour vers le futur », ces quelques mots sont gravés dans notre mémoire comme le symbole geek de toute une génération. L’histoire du jeune Marty a fait le tour du monde mais a surtout fait tourner la tête de bien des têtes blondes (brunes, rousses et châtains) lors de sa sortie en 1985.

Pourtant la saga a failli s’appeler « Spaceman from Pluto » suite à une bataille de mémo avec Sid Sheinberg d’Universal Pictures qui trouvait que ce titre aurait plus d’impact auprès du public. Ce titre fait référence au comics ultra-kitch « Space Zombies from Pluto » dont le visuel fleure bon la science fiction des années 70.

A propos, si vous cherchez fébrilement cette BD dans tous les vide greniers depuis des années, je dois malheureusement vous annoncer que cet objet n’a jamais réellement existé. La couverture est une pure création de Andrew Probert pour les besoins du film. A l’intérieur l’équipe de réalisation avait simplement collé un vrai comics pour que l’accessoire utilisé par Marty soit plus crédible.

Pour la petite histoire, Steven Spielberg, producteur exécutif du projet, avait fini par trancher sur le sujet du titre en précisant à M. Sheinberg que son mémo blague était excellent.

Un réfrigérateur temporel

Pour les internautes avertis, il est possible de retrouver la première version officielle du script de Retour vers le Futur. La lecture de ce document numérique mais non moins mythique révèle que le scénario a subit de nombreuses modifications au regard de la version finale que nous connaissons tous.

La principale différence tient dans le fait que la machine à remonter le temps avait d’abord été imaginé comme un genre de laser. Le laser assemblé sur un réfrigérateur était transporté à l’arrière d’un truck. Le truck ayant pour principale fonction de se balader sur un terrain d’essai nucléaire pour tirer parti de la puissance généré par les explosions atomiques et fournir la poussée de départ permettant le début du voyage… Marty aurait alors du grimper dans le réfrigérateur pour partir explorer le passé ou le futur de Hill Valley.

On retrouve donc quelques composantes du voyage dans le temps tel que nous le découvrons en 1985 : un véhicule, l’utilisation de l’énergie atomique et bien sûr la difficulté à réunir les conditions nécessaires au départ (qui devient par la suite le coeur de l’intrigue des différents épisodes). Par contre, pourquoi avoir préféré customiser une DeLorean plutôt que de garder cette histoire de réfrigérateur particulièrement glamour ?

La principale raison évoquée est le fait que Spielberg pensait qu’il était dangereux d’inciter les enfants à monter dans leur réfrigérateur pour voir si entre deux bouts de jambons il était possible d’apercevoir le jurassique. Par contre, cette anecdote aurait été transformé en Private Joke dans le dernier Indiana Jones (pour lequel la critique n’a pas été tendre). Souvenez vous de cette scène au combien polémique où notre archéologue favori grimpe dans un réfrigérateur pour se protéger de l’essai nucléaire en cours.

• Pour ceux qui ne sont pas effrayés par un peu de lecture anglaise.
  Voici le très intéressant premier brouillon du script de Retour vers le Futur

La version alternative de Retour vers le futur

Une petite anecdote pour la route. Saviez vous que le tournage de retour vers le futur a d’abord débuté avec Eric Stoltz dans le rôle de Marty à la place du mythique Michael J. Fox ? Après quelques scènes, Eric Stoltz et toute l’équipe décidèrent d’un commun accord de rappeler J. Fox qui jugeait être trop occupé à l’époque. Eric Stoltz avoue effectivement prendre beaucoup de plaisir à jouer le rôle du jeune Marty mais toute l’équipe est d’accord pour dire qu’il faut quelqu’un de plus funky pour la personnalité du jeune acolyte du Dr Brown. Voici quelques extraits de cette version alternative jamais sortie au cinéma :

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Cela peut paraître incroyable mais l’illustre auteur qu’est Katsuhiro Otomo a commencé sa carrière en adaptant une nouvelle en manga : Jusei alias « A gun report« . Son premier scénario était librement inspiré de « Mateo Falcone » une nouvelle de Prosper Mérimée : faites sonner le Cocorico national et sortez tous le camembert de sous vos claviers !

Cet écrit retrace un moment de vie dans une famille corse. En 1829, Prosper Mérimée y décrit la mésaventure du jeune homme héritier de la famille qui reçoit la visite d’un fuyard pressé de trouver un refuge pour échapper à ses poursuivants.

Le jeune Fortunato accepte de cacher l’homme transpirant contre monnaie trébuchante (quelques sous). Pourtant, quelques instants plus tard, quand un groupe d’hommes armés arrivent sur les traces du réfugié, le garçonnet finit par révéler la cachette de celui-ci en l’échange d’une montre.

Pendant que le fuyard se fait maîtriser et fermement emmener vers son funeste sort par ses traqueurs, le père de famille emmène son fils dans la forêt avoisinante, fusil à la main, et abat le jeune homme pour lui montrer qu’il ne faut jamais bafouer ses engagements ou son honneur.

Le lien se fait alors plus aisément entre la culture japonaise et cette nouvelle aux accents d’honneur exacerbés. Ce drame teintés de faits-divers est tout de même particulièrement pessimiste. On comprend alors que le jeune Otomo, qui avait alors 19 ans, ait pu y retrouver le même genre d’influences que celles qui l’ont amené à porter à l’écran Memories ou encore son célèbrissime Akira.

Pour information, Otomo reçu même une décoration dans l’ordre des Arts et des Lettres des mains d’un ministre français en 2005 pour saluer ce lien établi entre son oeuvre et la littérature française.

• http://www.culture.gouv.fr/culture/actualites/conferen/donnedieu/otomo.html

Par contre j’ai eu beau chercher je n’ai pas réussi à mettre la main sur le manga qu’avait créé Otomo à l’époque. Il est certainement uniquement paru dans le magazine de prépublication concerné. Vu la carrière qui a suivi pour le bonhomme j’espérais trouver un quelconque scantrad (c’est mal) ou autres extraits disponible sur la Toile.

Si l’un d’entre vous à une piste à ce sujet je suis tout ouïe !

Nick cave, ou plutôt Nicolas Edward Ellis, est un artiste pluridisciplinaire américain. Tout d’abord, chanteur, compositeur et auteur dans le groupe Nick cave and the Bad Seeds, ses premières motivations étaient  principalement orientée vers la musique populaire américaine (blues country,..). Il composa quelques morceaux en solo pour des films mais sans gros succès. Ce n’est que en s’associant avec un des membres de son groupe, Warren Ellis, que son talent fut réellement reconnu. La première bande originale qu’ils composèrent fut celle de « L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford ». Par la suite, il réalisèrent la bande son de « the road ». Voici quelques uns de leurs célèbres morceaux:

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Nul doute que ces deux compères auront un rôle primordial dans le monde du cinéma et de la musique.

Pour en savoir plus:

• Le site de Warren Ellis et Nick Cave.

Hé oui! Le métier de compositeur pour bandes annonces existe bel et bien!  L’un des plus dignes représentants est le groupe « Two steps from hell »! Ce nom réunis deux compositeurs, Nick Phoenix et Thomas J. Bergersen. Ils ont composés à eux seuls la musique d’une cinquantaine de bande annonce (batman, hell boy II,…). Bon, histoire de changer, j’ai préparer un petit quizz! Ci dessous, il y a un certain nombre de musiques composées par  » Two Steps from hell ». A vous de retrouver le nom du film pour lequel la musique a été utilisée pour sa bande annonce ou son trailer. Je donnerai la réponse dans une semaine, alors a vous de jouer!!

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La Réponse:

Alors voici les réponses:

1) Startrek

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2) 2012 (trailer à 00:30)

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3) Wall-e

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4) No country for oldmen (il commence à 1min 04)

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Pour finir, je tiens à remercier tous ceux qui ont voulu jouer le jeux et plus particulièrement yama !

En Bonus:

Voici le dernier trailer dont ils ont réalisé une partie de la musique: le dernier narnia.

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Pour plus d’information:

• Le site de  Two Steps from Hell